Comment se débloquer en improvisation théâtrale ?

Question #2 :

Je suis complètement novice en la matière et j’attends ce déclic, ce petit truc un peu magique qui pourrait m’aider à m’ouvrir à arrêter de mentaliser, de trop réfléchir pour être portée vers cet art qui est aussi l’écoute profonde et la compréhension subtile de l’autre. Tout bêtement, je prends des cours depuis à peine 6 mois, oui, des cours de théâtre et nous arrivons dans le vif qui est l’impro et là, je… je pense trop, je cale. J’ai du mal quand la prof lance un truc, une phrase. Tout se bouscule dans ma tête et rien. Pourtant au fond de moi, je sais que cette sensibilité là existe. Comment faire pour débloquer ça ?

Réponse courte :
Le “truc”, c’est de regarder l’autre (ton partenaire, où si tu es seule sur scène, le public) dans les yeux. Tout ce dont on a besoin pour improviser est là, toute l’inspiration est là.

Réponse longue :
Le blocage que tu évoques est assez fréquent. C’est complètement normal: en improvisation, nous cherchons à entrer dans un état de spontanéité où nécessairement, nous devons lâcher le contrôle sur ce que nous proposons sur scène (verbalement ou physiquement). Nous sommes donc dans un état où nous révélons beaucoup de nous-mêmes: notre inconscient, notre personnalité, nos expériences… Faire cela dans un environnement (la scène) où nous nous sommes naturellement vulnérables au regard et au jugement du public et d’autrui crée forcément un blocage et un malaise. Comment être spontané ? Comment être créatif ? Comment être bon ?

En réalité, ce n’est pas à toi de te poser ces questions. C’est à ton professeur, si c’est un cours, et à tes partenaires, si tu es dans une troupe, de créer cet état de confiance qui permet à la spontanéité d’émerger. En posant certains principes, notamment :

• Nous ne sommes pas responsables du contenu des scènes,

• Faire des erreurs doit être célébré,

• Nous sommes là pour soutenir les autres.

1. Nous ne sommes pas responsables du contenu des scènes. C’est nécessaire de poser ce principe si l’on veut explorer une vraie spontanéité. L’improvisateur, idéalement, évolue dans un état de transe où il n’est qu’un médium associant sur le moment des idées sur lesquelles il n’a aucun contrôle. Ces idées ne sont donc pas “les siennes”. Elles appartiennent à une sorte d’inconscient collectif qui est un mélange de vécu commun et d’un certain nombre de règles informelles (dont les règles de narration par exemple, que nous partageons tous).

2. Faire des erreurs doit être célébré. D’une part, sans erreurs, nous ne pouvons pas apprendre. Un bon professeur créera cet environnement où chacun voudra essayer et se tromper pour s’améliorer. D’autre part, l’improvisation a la spécificité d’être un art qui se crée “sur le moment”. Le public, conscient de cela, vient voir des improvisateurs qui se mettent en danger. S’il n’y a jamais d’erreurs, nous créons une frustration chez le public. Un bon improvisateur a conscience de cela.

3.  Nous sommes là pour soutenir les autres. L’improvisation est essentiellement collective. La peur crée une série de comportements qui empêchent la création spontané (ex: blocages, décrochages…). Les deux forces les plus puissantes que je connaisse pour lutter contre la peur sont la confiance et le plaisir. C’est à chacun de faire en sorte que l’autre puisse nous faire confiance. L’exemple le plus typique consiste à monter sur scène si l’autre a besoin de nous. C’est à chacun également de faire en sorte que l’autre prenne du plaisir à jouer avec nous.

Le plus dur, ce n’est pas de poser les principes, mais c’est d’arriver à appliquer ces principes et à créer cet environnement. Dans les cours que nous donnons à Eux, nous faisons cela en demandant à ce que dès que quelqu’un se sent mal à l’aise dans une scène, il lève les bras et crie “Again!”, son partenaire devant faire la même chose. La scène se termine et on en recommence une autre, sans que ça n’ait aucune importance. C’est une technique qui nous a été enseignée par Patti Stiles. C’est aussi le sens du Yay spirit de Jill Bernard: tout cela doit rester un jeu, sans que ce terme ne soit péjoratif. On parle bien de jeu d’acteur…

Donc en théorie, ce n’est pas à toi de te poser cette question. C’est à ton prof de créer cet environnement.

Mais si cet environnement n’existe pas dans le contexte où tu évolues, tu peux faire en sorte de le créer toi-même, pour toi-même.

Force-toi personnellement à faire trois “erreurs” par séance. Tente des choses, monte sur scène, joue avec ceux avec qui tu n’as pas l’habitude de jouer, fais un personnage que tu n’as pas l’habitude de faire, jouer un thème que tu connais peu, et échoue ! Échoue, échoue, échoue ! Au moins trois fois par séance. Plus tu échoues et plus tu apprécies l’échec, moins tu auras de blocages et plus tu progresseras. Et puis imagine à quel point c’est inspirant pour les autres !

Je reviens au conseil initial : regarder l’autre dans les yeux. Vraiment dans les yeux ! Ça permet plusieurs choses :

1. Cela crée un contact sur scène, une complicité. Il y a immédiatement “quelque chose” qui se crée sur scène entre les deux personnages (et les acteurs). Tu n’es donc plus “à nu” sur scène. A toi d’explorer ce “quelque chose” ensuite en amenant de l’information autour de ce lien.

2. Je ne connais rien de mieux pour me ramener dans l’instant présent que de regarder quelqu’un dans les yeux. J’oublie tout mon environnement et je suis simplement “là”. C’est très proche de l’état de spontanéité que j’évoque plus-haut.

3. Tu n’as pas à te demander “qu’est-ce que je vais dire?” Tu n’as qu’à réagir à l’autre.

Il faut ensuite essayer d’activement rechercher à donner à son partenaire ce qu’il attend, à lui donner des propositions qu’il a envie de jouer. En se focalisant sur l’autre, on s’oublie soi-même, et on devient immédiatement plus intéressant à regarder : disparition des tensions du corps, du malaise de l’improvisateur, des mouvements inutiles… On devient plus naturel. Et c’est fascinant à regarder pour le public ! Vraiment. Et à côté de ça, on crée cette confiance et ce plaisir de jouer qui rend l’improvisation agréable à regarder. On crée un environnement positif pour la création qui fait que le contenu des scènes se développe de lui-même.

A long terme, on peut s’éloigner de ces quelques principes. Par exemple, on se rend compte que l’improvisateur reste quand même responsable du contenu et peut orienter la scène en se posant la question “de quoi la scène a besoin maintenant ?” C’est la caractéristique des bons improvisateur que de savoir y répondre.

On peut également par exemple choisir de ne pas soutenir l’autre, pour le pousser à prendre des risques. Et on se rend compte que l’on ne peut aider l’autre que dans la mesure où l’on a soi-même quelque chose à amener sur scène: des personnages, des idées, des approches, une culture, une capacité à la prise de risque. On ne peut donc pas uniquement se focaliser sur l’autre et on cherche donc à progresser personnellement pour contribuer à ce que le groupe est capable de produire.

Mais dans l’immédiat, tout est déjà là, tout le monde peut improviser ! Il n’y a qu’à se donner la permission de se tromper et regarder l’autre dans les yeux.